Sorti chez Osto Records fin octobre, le premier album sans nom de DEAR POLA est un disque atmosphérique, éthéré, très dépouillé, presque au ralenti, slow-folk. Le fantôme de Nick DRAKE plane (finger picking, open tuning) et la belle voix de la valentinoise évoque celles d'Adrianne LENKER, d'Agnes OBEL et surtout de l'étoile suédoise Stina NORDENSTAM. Non classiques (on confond parfois couplets et refrains ; existent-ils d'ailleurs ?), les neuf pièces musicales homogènes proposent des mélodies exigeantes, parfois difficiles à cerner aux premières écoutes. Aussi, dessinant une cartographie mélancolique d'émotions intérieures, les fragments sonores atmosphériques de DEAR POLA pourront s’écouter en imaginant un paysage brumeux, crépusculaire, mais jamais lugubre.
Rencontre à domicile (dans les locaux de Radio Méga - Valence city), avec Mary,
seule aux commandes de son projet musical DEAR POLA.
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"Cela me touche de penser que ces morceaux
vont désormais vivre loin de moi"
Mary, pourrais-tu nous présenter DEAR POLA ?
Mary / DEAR POLA : C’est le projet dans lequel je réunis ce qui m’accompagne depuis longtemps : la guitare, l’écriture et le chant. J’ai commencé la guitare à dix ans et j’ai toujours écrit et composé seule. Je n’ai jamais fait partie d’un groupe. J’ai aussi composé beaucoup de musique instrumentale, que je n’ai jamais osé publier. J’ai repris en 2023 avec Ma part du ciel, un EP entièrement réalisé dans ma chambre. J’y ai travaillé très librement, en cherchant mes propres façons de faire. Mon premier album [Dear Pola, sorti chez Osto Records le 23/10/2026, NDLR] poursuit ce chemin, mais il s’est nourri de rencontres et d’un travail partagé. Mes chansons gardent quelque chose de cette pratique solitaire : une attention aux détails, à la façon dont la voix et la guitare se répondent. J’aime les morceaux qui laissent un peu de place à celui qui écoute, où tout n’est pas dit.
Ton nom d’artiste paraît un peu cryptique. Pourquoi avoir recours à un pseudonyme dans cette aventure musicale solitaire ?
Au départ, j’imaginais les morceaux comme des lettres. DEAR POLA vient de cette envie de m’adresser à quelqu’un. On écrit seule, mais il y a déjà une présence à l’autre bout, même imaginée. Quant à utiliser mon propre nom, je ne l’ai jamais envisagé. Le pseudonyme me laisse une liberté que je n’aurais pas sous mon nom. Je peux y être très personnelle sans avoir l’impression que chaque chanson doit répondre de qui je suis.
Que ressens-tu en voyant ton premier album dans les bacs, en CD et en vinyle ?
Cela me touche de penser que ces morceaux vont désormais vivre loin de moi. Je les ai connus dans ma chambre, encore incertains, et les voilà qui entrent dans d’autres vies. Ils se mêleront peut-être à un trajet, à un paysage, au souvenir de quelqu’un. Je ne saurai presque rien de tout cela, et cette part qui m’échappe me rend heureuse.
Quels sont les premiers échos de l’accueil qu’il a reçu auprès de la presse ?
Les premiers échos sont très chaleureux. L’album est coup de cœur FIP et fait partie de leur sélection de novembre ; il y a aussi Rock & Folk, La Féra, Rolling Stone, et de belles chroniques sur Indiepoprock et Froggy’s Delight. Ce qui me touche, au-delà de la visibilité, c’est l’attention portée aux morceaux, à des détails que je pensais peut-être seule à entendre. Froggy’s Delight a écrit sa chronique sous forme de lettre [au Casbah Webzine, nous y avions pensé pour l’entame de ce papier, NDLR]. Pour un projet né de l’envie de s’adresser à quelqu’un, c’est assez émouvant de recevoir une réponse.
Le premier EP de DEAR POLA portait un beau titre (Ma part du ciel). Ce premier album n’en a pas…
J’ai cherché un titre, mais rien ne s’est imposé. À force, j’ai compris que je n’avais pas besoin de lui donner un autre nom. Ce disque fait intimement partie de moi, de ce que j’ai vécu, de ma façon de sentir et d’écrire. Il était ce qu’il était, et l’appeler Dear Pola m’a semblé juste.
Pour l’enregistrement de cet album, quel était l'état d'esprit de départ ? Avais-tu une feuille de route bien établie ?
Nous avons enregistré en dix jours, en juillet 2025, en Bourgogne, avec Mickael PILLISION et FRAISE. J’étais très heureuse, très excitée. Les morceaux étaient là, mais c’était la première fois que je les enregistrais autrement que sous forme de démos. Je n’avais pas une feuille de route entièrement définie, mais une certitude : la guitare serait la constante, et je voulais enregistrer la voix et la guitare ensemble. Les arrangements devaient se travailler sur place ; finalement, ils sont venus après, dans ma chambre. J’ai eu besoin de retrouver les morceaux dans ce cadre familier pour entendre ce que je pouvais leur apporter.
C’est la première fois que tu déléguais l’enregistrement, en l’occurrence à Sébastien GUICHARD (aka FRAISE). Quelle est la nature de votre collaboration ?
FRAISE a enregistré et mixé l’album. J’ai réalisé les arrangements et les textures sonores dans ma chambre, après les prises. Mais au-delà de cette répartition, notre collaboration s’est construite sur une confiance qui m’a permis d’assumer pleinement ma vulnérabilité. Après des années à m’enregistrer seule, je pouvais laisser quelqu’un m’entendre chercher, hésiter, sans essayer de dissimuler ma fragilité. J’ai tenté, par moments, d’être davantage dans la démonstration. On a très vite compris tous les deux que ça ne fonctionnait pas ! À vouloir prouver quelque chose avec ma voix, je m’éloignais de ce que je chantais. FRAISE ne m’a jamais demandé d’être moins vulnérable pour être plus juste. Son écoute me permettait de rester au plus près du morceau, sans avoir à me durcir. Je pouvais me concentrer sur ce que je jouais, parce que je savais comment c’était écouté. C’est une chose précieuse, de ne plus avoir à se protéger de l’oreille de quelqu’un.
Une chose remarquable sur ce disque est le fait que voix et guitare ont été enregistrées simultanément. À l’heure où n’importe-qui peut créer de la musique avec un ordinateur, des logiciels clefs-en-main, voire une IA, cette marque de fabrique est une véritable prouesse. Toutefois, il convient de préciser que ce disque ne sonne pas du tout comme un disque de folk classique, old school ou unplugged. Ton approche est beaucoup plus subtile et moderne.
Je ne le vis pas vraiment comme une prouesse. Quand je joue, la voix et la guitare s’entraînent l’une l’autre : une respiration infléchit le jeu, une note change la façon de chanter un mot. Je voulais garder ces mouvements presque imperceptibles, cette façon qu’elles ont d’avancer ensemble. Cela ne traduit pas un refus des outils actuels : j’ai réalisé mon premier EP seule dans ma chambre, et l’ordinateur fait aussi partie de mon travail. Sur cet album, les arrangements sont venus prolonger les prises, parfois les troubler un peu. Une guitare peut être le point de départ de beaucoup de choses. Je ne cherchais pas à retrouver le son d’une époque ; je cherchais celui
dans lequel ces morceaux pouvaient vivre.
"On peut être bouleversé par une chose très simple,
très belle, parce qu’on la voit et qu’on sait qu’elle passe"
Une guitare principale, quelques ajouts sonores énigmatiques et des percussions en arrangements, pourquoi si peu d'instruments sur ce disque ?
La guitare occupe déjà beaucoup de place : elle porte le rythme, les harmonies, et parfois une mélodie qui suit son propre chemin à côté du chant. Je n’éprouvais pas le besoin de l’entourer davantage. J’aimais plutôt entendre ce qu’un son très discret pouvait changer dans un morceau, la façon dont il pouvait en déplacer toute l’atmosphère. Les arrangements se sont construits avec cette attention-là. Il fallait aussi laisser de la place à ce qui était déjà présent, mais qu’un instrument de plus aurait pu nous empêcher d’entendre. Et puis le silence… je voulais du silence.
Oui, ce qui est aussi remarquable dans ces neuf chansons, c’est qu’on y entend ce son du silence (cf. SIMON & GARFUNKEL), l’espace dans la pièce…
Oui, on entend la pièce, les respirations, la fin d’une note. Ce sont des choses auxquelles je tiens : lorsque la voix s’arrête, quelque chose continue. La maison où nous avons enregistré avait aussi sa façon de répondre à la musique.
On qualifie ta musique d'atmosphérique, de cinématographique, de mélancolique...
Je me reconnais dans ces mots. « Atmosphérique » et « cinématographique » évoquent cette capacité de la musique à faire apparaître un lieu, une lumière, sans avoir à les décrire. J’aime qu’un morceau puisse donner cette sensation d’être quelque part. La mélancolie est présente aussi, mais elle contient pour moi beaucoup d’amour pour ce qui existe. On peut être bouleversé par une chose très simple, très belle, parce qu’on la voit et qu’on sait qu’elle passe. C’est peut-être à cet endroit que se trouvent certaines de mes chansons.
Outre le fait que tu as commencé à être entourée (enregistrement et production), ce nouveau disque paraît plus homogène, moins terrain de jeu expérimental comme pouvait l’être Ma part du ciel, sur lequel on devinait même une influence blues du Mali (Fragment / Limbs). Comment analyses-tu l’évolution de ta musique depuis ton précédent EP ?
Sur Ma part du ciel, je faisais tout, seule dans ma chambre, avec la liberté d’essayer et de suivre chaque morceau là où il m’emmenait. Je crois qu’on entend cette recherche, les différentes directions qu’elle pouvait prendre. Pour l’album, la guitare est devenue une constante. Enregistrer les morceaux dans un même lieu, sur dix jours, avec FRAISE, leur a aussi donné quelque chose de commun. Ils ont traversé les mêmes journées, et cela s’entend peut-être. Je ne crois pas avoir perdu le goût de l’expérimentation. Elle se loge davantage dans les détails, dans une texture ou une façon de faire durer une phrase. J’ai peut-être moins besoin de multiplier les directions pour explorer un morceau.
Ce nouveau disque paraît aussi moins classique en terme de composition… On a parfois l'impression d'écouter des fragments musicaux éthérés et étirés, plutôt que des chansons conventionnelles (avec couplet / refrain / pont)… Est-ce délibéré ?
Je ne pars pas d’une structure couplet-refrain, mais d’un motif à la guitare, d’une phrase, et je suis ce qui se développe. Mon goût pour la musique instrumentale joue sans doute beaucoup : un morceau peut avancer par petites variations, sans avoir besoin d’un refrain pour nous ramener quelque part. J’aime aussi rester dans une phrase musicale assez longtemps pour que la façon de l’entendre change. En concert, les morceaux sont d’ailleurs souvent beaucoup plus longs ; j’en ai raccourci la plupart pour le disque. C’est donc une liberté que je prends, plutôt qu’une volonté de m’éloigner de la chanson.
Quels sujets sont abordés dans les textes de tes chansons ?
Les liens familiaux occupent une très grande place dans ces textes. L’enfance, les deuils, les traumatismes, l’amour : ce qui nous lie aux autres et continue de vivre en nous, parfois longtemps après leur départ. J’écris depuis cet enchevêtrement, où la tendresse peut côtoyer la douleur, où l’on peut aimer sans parvenir à comprendre. Il y a aussi cette difficulté à se comprendre soi-même, à communiquer ce qu’on éprouve. La musique peut accueillir ce désordre sans exiger que je le démêle d’abord. Ce qui était informe trouve un rythme, une durée, une forme que je peux partager.
Tu écris et chantes en anglais. Envisages-tu un jour de passer au français ?
L’anglais accompagne mon écriture depuis toujours. Le français est la langue dans laquelle ma vie arrive. L’anglais crée quelques centimètres d’écart, et cela suffit parfois pour pouvoir regarder quelque chose, pour trouver comment le dire. J’y entre aussi par l’oreille. Le mot est déjà presque de la musique avant d’avoir un sens. Ses sonorités peuvent m’amener vers une phrase que je n’aurais pas trouvée autrement. Le français est peut-être la langue dans laquelle je vis ; l’anglais est devenu celle dans laquelle j’entends ce que je vis. Mais il y a beaucoup de pudeur dans ce choix. Je peux écrire des choses très intimes en français ; les chanter, leur donner ma voix devant quelqu’un, c’est une autre exposition. Est-ce que j’y viendrai un jour ? Je ne sais pas. Je ne suis même pas sûre d’y arriver.
Tu es aussi poétesse, tu as d’ailleurs publié un beau recueil en fanzine. Hormis la langue (tu écris ta poésie textuelle en français), quelles différences existe-t-il entre tes chansons et ta poésie ?
Dans une chanson, les mots ont une voix, un souffle, une guitare avec lesquels vivre. Une phrase très simple peut prendre une profondeur inattendue par la façon dont elle est chantée, ou par ce qui vient juste après elle. Sur la page, je dois écouter autrement : le rythme tient à la syntaxe, aux coupures, à la place laissée autour des mots. Le temps est différent aussi. Une chanson entraîne celui qui l’écoute dans sa durée. Un poème laisse le lecteur s’arrêter, revenir sur une ligne, y rester plus longtemps que moi. J’aime cette liberté de lecture : je ne décide plus de la vitesse à laquelle mes mots atteignent quelqu’un.
Dans les différents genres littéraires, quels auteurs ont tes faveurs ?
Paul AUSTER, énormément. J’aime chez lui la façon dont une rencontre, un hasard, un détail peut changer le cours d’une existence. Siri HUSTVEDT aussi, pour sa pensée toujours en mouvement, sa manière d’interroger ce que nous croyons savoir de nous-mêmes. En poésie, je reviens à Anne CARSON, Sylvia PLATH, Mary OLIVER et Louise GLÜCK. Ce sont des voix très différentes, mais chacune déplace quelque chose dans ma façon de voir.
"Souvent, la guitare donne une couleur au morceau
avant même que je sache ce que je vais écrire"
Il est temps d’aborder le sujet des influences musicales, conscientes ou non. En écoutant ce disque, j’ai pensé à Nick DRAKE, notamment en ce qui concerne le jeu de guitare (accordage singulier / open tuning, arpèges, finger picking, patterns rapides)...
Nick DRAKE fait partie de mes influences, mais je l’ai découvert un peu plus tard, à l’adolescence. J’ai commencé avec Joan BAEZ, Tim BUCKLEY, Leonard COHEN. Et puis il y a eu le choc Joni MITCHELL : les accordages ouverts, sa liberté, toutes les possibilités qu’elle faisait entendre. J’écoutais souvent des choses que personne n’écoutait autour de moi. Mes copines apprenaient à reprendre des chansons à la guitare ; moi, j’avais surtout envie de chercher ce que je pouvais inventer avec la mienne. Je suis autodidacte, et cette recherche a toujours été un vrai jeu : changer un accordage, déplacer les doigts, tomber sur quelque chose qui donne immédiatement envie d’écrire. Ces musiciens ont agrandi mon monde. Leur musique me stimulait, m’encourageait à aller plus loin dans ce que je pouvais comprendre de l’instrument et en faire. Mon jeu s’est construit au fil de ces découvertes, et je continue à chercher. La guitare a encore largement de quoi me surprendre.
Je suppose que tu aimes aussi les chansons de sa mère Molly…
Oui, ses chansons au piano me bouleversent. Je la rapproche de Sibylle BAIER ou de Bridget St JOHN pour cette retenue, cette façon de laisser affleurer des choses assez sombres dans des mélodies qui paraissent simples. Il y a une lucidité dans ces chansons qui rend leur douceur beaucoup moins innocente qu’elle n’en a l’air.
Pour celles et ceux qui aiment la guitare, pourrais-tu nous apporter quelques explications techniques en ce qui concerne l’accordage de la tienne ?
J’utilise souvent le DADGAD (ré, la, ré, sol, la, ré) de la corde la plus grave à la plus aiguë, ou le DADF♯AD, un accord ouvert de ré majeur. Une seule note change entre les deux, mais elle transforme la couleur de ce qu’on joue. Le DADGAD laisse notamment une ambiguïté entre majeur et mineur que j’aime explorer. Ces accordages permettent de garder des cordes à vide qui résonnent pendant que les doigts cherchent ailleurs. La guitare conserve ainsi quelque chose de ce qu’on vient de jouer ; les notes se prolongent, se croisent. Le picking est devenu pour moi une sorte de pulsation intérieure, presque une manière de respirer à travers l’instrument. Tout cela reste un jeu. Je cherche à l’oreille, et ce que je trouve peut entraîner la voix dans une direction inattendue. Souvent, la guitare donne une couleur au morceau avant même que je sache ce que je vais écrire.
Vocalement, tu m'évoques parfois Stina NORDENSTAM. La connais-tu ?
Oui, je l’écoutais quand j’étais jeune adulte, j’avais Little star sur une compile cassette ! J’aime beaucoup sa voix, et cette comparaison me touche. Et puis il y a la Suède… Je suis très attirée par les pays du Nord, leurs cultures, leurs artistes, mais aussi, très physiquement, par le froid, la glace. Ce sont des paysages que j’ai envie d’habiter. Mes filles ont une part danoise, ce lien a donc une place dans ma vie qui dépasse la musique.
Depuis une bonne dizaine d’années, la folk est enfin mise en avant dans les médias, alors que la réhabilitation du genre avait commencé bien avant (fin des années 80 / début des années 90, avec des artistes comme COWBOY JUNKIES, PALACE BROTHERS, LAMBCHOP, CAT POWER…) Que penses-tu de cette hype récente ?
J’ai du mal à parler de mode pour une musique qui m’accompagne depuis si longtemps. Vers onze ans, je crois, j’avais trouvé une cassette vidéo du Lilith Fair, le festival cofondé par Sarah McLachlan. Je l’ai regardée jusqu’à l’obsession. Les INDIGO GIRLS, Fiona APPLE, Tracy CHAPMAN, Suzanne VEGA, Sheryl CROW… Ces femmes occupaient une place immense dans mon imaginaire. Je voulais être comme elles. Je regardais leurs mains sur les instruments, leur façon de chanter, de se tenir sur scène. Chacune avait sa manière d’être musicienne, et j’aurais pu passer ma vie devant ces concerts. Je commençais moi-même la guitare : tout cela entrait directement dans mon envie de jouer, d’écrire, de chercher. Aujourd’hui, je mesure combien ces images m’ont formée. Alors oui, je suis heureuse que cette musique soit davantage entendue. Derrière ce qu’on appelle une hype, il y a peut-être une gamine qui regarde un concert pour la vingtième fois et qui commence à imaginer sa propre vie.
As-tu d’ailleurs remarqué que les chanteuses americana-folk sont de plus en plus nombreuses, notamment en France ?
Je pense spontanément à Claire DAYS, à CAÎMAN, à GENRE GENRE, AUGUSTA… Mais je connais trop peu l’ensemble de cette scène pour savoir si les musiciennes y sont plus nombreuses ou davantage entendues. Ce qui m’intéresse, c’est ce que chacune fait de ces influences, la façon dont des univers très personnels se dessinent sous une même appellation. Je suis plus curieuse de ces différences que d’un éventuel mouvement.
Quels sont tes coups de coeur musicaux actuels ?
En ce moment, j’écoute beaucoup Alela DIANE, Agnes OBEL, LAMBCHOP, Fionn REGAN, Laurie TORRES et GROUPER. Et j’ai un attachement particulier à Elanor MOSS, dont je réécoute énormément l’album, tout comme Juni HABEL. Ce sont des disques auxquels j’ai envie de laisser du temps : j’y reviens, ils deviennent familiers, puis un détail que je n’avais pas entendu me fait les écouter autrement.
À propos d’Alela DIANE, en première approche téléphonique avant l'interview, nous avons beaucoup échangé à propos d'elle. Tu as récemment assuré sa première partie à Mâcon.
J’ai beaucoup pleuré. Je l’écoute depuis vingt ans, alors ouvrir pour elle à Mâcon, pouvoir lui parler, puis l’entendre me remercier pendant son concert… Il y avait quelque chose de suspendu dans cette soirée. J’avais apporté son premier album pour le faire dédicacer. Il venait de fêter ses vingt ans. Tenir ce disque devant elle, après toutes ces années à l’écouter, c’était mesurer le chemin parcouru d’une façon très concrète. Sa musique avait accompagné une partie de ma vie, et ce soir-là, j’avais pu lui faire entendre la mienne. C’était très beau.
"Le monde est juste là, presque à portée de main,
et pourtant on ne peut pas le toucher"
En fin de parcours du titre Cradle, on entend la voix de Jonas MEKAS, cinéaste-écrivain underground proche de WARHOL...
J’ai découvert Jonas MEKAS grâce à un reportage de Tracks, merci Arte ! Je l’ai ensuite lu, puis j’ai découvert ses films-journaux, notamment As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty. Il y dit qu’il n’a jamais vraiment réussi à comprendre où sa vie commence et où elle finit. Cette phrase, portée par sa voix, m’a bouleversée. Elle rejoignait très exactement ce que je vivais. Cradle parle de la maternité, de cette expérience qui trouble les frontières entre sa propre vie et celle d’un autre. Où suis-je, dans ce lien si profond ? Qu’est-ce qui m’appartient encore, qu’est- ce qui se prolonge ailleurs ? Entendre sa voix à la fin du morceau permettait de laisser résonner cette question, sans chercher à la refermer.
La photographie en noir et blanc sur la couverture de l’album semble parfaitement adaptée à ta musique.
C’est une photographie que j’ai prise : un paysage à travers une vitre, en mouvement. On ne voit pas la destination, seulement ce qui passe. Il devient presque un souvenir au moment même où on le regarde. J’y reconnaissais quelque chose du disque. La vitre compte autant que le paysage. Elle crée une séparation très mince : le monde est juste là, presque à portée de main, et pourtant on ne peut pas le toucher. Cela rejoint les chansons, cette façon de revenir vers des êtres, des moments, sans pouvoir les rejoindre tout à fait. L’image laisse aussi le trajet ouvert. Je crois que cet album cherche à accepter qu’on n’ait pas toujours un endroit où se poser.
Tu as signé sur Osto Records. Quelle relations entretiens-tu avec ce label français encore un peu confidentiel ?
Label est un mot un peu court pour parler de ce qu’Osto représente pour moi. Il y a Mickaël, Céline, Alex, Tom, Antoine, Fraise : des personnes que j’aime, qui ont cru à cette musique et lui ont consacré du temps, de l’énergie, une attention immense. Ce disque leur doit énormément. Je sais ce qu’il a fallu de travail, souvent invisible, pour que vous puissiez aujourd’hui le tenir entre vos mains. J’avais les morceaux, mais je n’aurais pas pu leur donner seule cette existence. Ils m’ont accompagnée dans quelque chose que je désirais autant que je le redoutais : faire sortir ma musique de chez moi. Être soutenue comme cela change profondément ce qu’on se croit capable d’entreprendre. Alors, confidentiel peut-être, mais essentiel pour moi. Derrière le nom d’Osto, il y a leurs visages, leur présence, tout ce qu’ils font bien au-delà de ce qu’on pourrait attendre. Je les aime et je voudrais qu’on mesure la place qu’ils ont dans cette histoire.
Tu vis à Valence. Te sens-tu proche de certains artistes de la scène musicale valentinoise actuelle ?
Je connais cette scène par quelques rencontres plutôt que dans son ensemble. H-BURNS est venu me voir pendant une résidence, et j’aurai la chance de faire sa première partie en avril prochain. C’est précieux de pouvoir se rencontrer autour du travail, d’entendre ce qu’un autre musicien y perçoit. Je pense aussi à CHEVALREX. Ce sont des artistes qui donnent à cette ville une présence musicale singulière, avec des parcours et des écritures bien à eux.
Quand un album sort, il y a forcément une nécessité, une envie de le valoriser en concert...
Les dates se construisent doucement pour la fin de l’année 2026 et 2027. Pour l’instant, je suis seule sur scène, à la guitare et au chant. J’étais en résidence à Paris la première semaine de novembre pour travailler le live, notamment avec des pédales d’effets, et étoffer le set. J’ai envie d’explorer ce que les morceaux peuvent devenir sur scène, de leur donner d’autres dimensions tout en gardant la liberté de les faire varier d’un concert à l’autre. Et peut-être, ensuite, inviter d’autres musiciens et musiciennes à me rejoindre.
Comment envisages-tu le futur de DEAR POLA ?
De nouveaux morceaux arrivent déjà, mais j’ai envie de prendre le temps de vivre avec cet album, de jouer encore ces chansons et de découvrir ce qu’elles deviennent sur scène. Pour la suite, j’aimerais travailler avec d’autres musiciens et musiciennes. J’ai beaucoup appris seule ; aujourd’hui, je suis curieuse de ce que je pourrais trouver au contact des autres, de leurs idées, de leurs façons de jouer. J’ai envie d’apprendre, d’être surprise, de voir ma musique prendre des directions que je n’aurais pas imaginées seule. J’aimerais entendre ce qui se passe quand quelqu’un d’autre entre dans un morceau que je connais par cœur. Une façon de jouer peut déplacer les appuis, changer ma manière de chanter, me donner une idée que je n’aurais jamais eue seule. Sur scène comme en studio, j’ai très envie de faire cette expérience, de laisser une place à ce que les autres peuvent inventer.
Mary, malheureusement, nous arrivons à la fin de cette interview. Aurais-tu un dernier mot pour les lecteurs du Casbah Webzine ?
Merci pour cet échange, et à celles et ceux qui prennent le temps d’écouter, de venir aux concerts, de parler des disques qu’ils aiment. Une musique existe aussi par l’attention qu’on lui accorde. Merci de faire cette place à la mienne.
Article et propos recueillis par bingO
(14 novembre 2026)XXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXX
DEAR POLA. Dear Pola (Osto Records, 23/10/2026)
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Pour prolonger...
DEAR POLA : Bandcamp
Osto Records : site web
Radio Méga (Valence) : site web
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Dans nos archives sonores :
Dig Dig Diggers (30/10/2026)
Rock à la Casbah #942 (11/11/2026)
Photographies : David BASSO, Mickaël PILLISIO, bingO, DR.
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